「え？ハリー・ポッター観たことないの？」って責めるのやめて

June 3, 2016, 8:00 am

昨日、金曜ロードSHOW!で『ハリー・ポッターと不死鳥の騎士団』が放送されました。さらに来週も再来週も、なんと4週連続でハリー・ポッターが放送されるそうです。「なぜこの時期に？」と思ったら、新シリーズの『ファンタスティック・ビーストと魔法使いの旅』が公開されるからなんですね（11月23日の公開予定日までかなり間がありますが）。まあ、ファンの人にとっては毎週ハリー・ポッターが観られるわけで、非常にラッキーなんでしょう。

ところで皆さん、『ハリー・ポッター』シリーズって全部観てます？いや、もちろん観てない人もいるはずだし、普段映画を観ない人は、どんなに世間で話題になっても観ないでしょうから、普通なら「観てなくてもべつにいいじゃん」で済む話だと思うんですよね。

ただ、僕みたいに普段から映画についてあれこれ発言したり、「1年で365本映画観てます」的なブログを運営している人間にとっては、「有名な映画ぐらいは観ていて当然」というか、むしろ「観てない映画があったら恥ずかしい」みたいな気持ちがあるわけですよ。

そして、映画ファンに対する世間のイメージも「当然観てるよな？」っていう、完全に”観ていることが前提”のテンションで来るから辛い。うっかり「観てません」などと言おうものなら、「ウソでしょ？どうして観ないの？」「この世にそんな人がいたなんて…」「観ない理由を教えて！」「まさか監督に身内を殺されたのか？」など、犯罪者を責め立てるかのような凄まじい勢いで追及されるわけです。

こういう風潮は、『ハリー・ポッター』だけに限りません。『アナと雪の女王』とか『スター・ウォーズ』とか『タイタニック』とか、有名な映画であればあるほど、そして”映画ファン”を自称している人ほど、「え？あの名作を観たことないの？」と言われるのが怖くて仕方がないんですよ。映画ファンである自分を全否定されそうで…

正直、これは非常にキツい。

しかし、そんな状況の中で敢えて白状しますとですね、

実は僕……、『ハリー・ポッター』シリーズを観てません(T_T)

正確に言うと、1作目の『賢者の石』は劇場で観たんですが、どうも今ひとつ乗り切れなくて、途中で寝てしまいまして。2作目の『秘密の部屋』はDVDを借りて観ていたら、これまた途中で脱落。3作目の『アズカバンの囚人』は、もはや観る気も無かったんですけど、たまたまテレビでやってた時にチラ観して、でも結局最後まで持たずにチャンネルを変えました。

で、4作目の『炎のゴブレット』の時、「このままじゃダメだ！逃げちゃダメだ！」と自らを奮い立たせ、再度劇場での観賞にチャレンジ。見事に最後まで完走しました（威張って言うことじゃないですがｗ）。しかしながら、次の『不死鳥の騎士団』と『謎のプリンス』では再び挫折。

別に「面白くない」ってわけじゃないんですよ。ただ、どうもあの世界観が苦手というか入り込めないというか…。そんなわけで、『ハリー・ポッター』シリーズに関しては、ちゃんと観たのは4作目のみで、しかも完結編となる『死の秘宝』に至っては、いまだに一度も観ていないという状況なのです、トホホ。

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まあ、「映画好きでも観てない映画の一つや二つはあるよ！」って話なんですけど、僕としては、普段から”映画好き”を公言している都合上、例えば何らかのイベント（合コンとも言う）に参加した際などに「私、『ハリー・ポッター』シリーズが大好きなんですよ〜」的な会話を振られたりしたら非常に困るわけですよ。

「観てません」とも言い難いので、とりあえずエマ・ワトソンの話かなんかで適当にその場をごまかしたり、「ダニエル・ラドクリフが主演した『ウーマン・イン・ブラック』観た？」などと、無理やり他の映画の話題に切り替えたり。何とかして『ハリー・ポッター』から話を逸らそうと毎回苦労するわけです。

マイナーな映画ならともかく、日本で興行収入が100億超えてるような大ヒット作品を「観てません」などと言おうものなら、「え？なにこの人、映画ファンのくせにこんな有名な映画も観てないの？」みたいに思われるんじゃないかと不安で不安で。「ヒット作を観ていない」っていうのが、かなりのプレッシャーになってるわけです。

だから、「流行りの映画は一応全部チェックしておかなければ！」みたいな強迫観念に駆られたりして、あまり興味がない映画でもとりあえず観る！という何だかよく分からない状況になったりしていました、一時期は。特に学生時代は数を観まくりましたねー。有名な映画はもちろん、「他の人が知らない映画を自分がどれだけ知っているか」という変な優越感に喜びを見出したり。病気ですね、完全に(笑)。

最近はお陰様でそういうこともなくなり、新しい映画の話題を振られても「あーゴメン。それ観てないわ」とあっさり言えるようになりました。それがいいことなのかどうなのかは分かりませんが、この心境に至るまで、結構時間がかかったなあ（笑）。

まあ、普通の人には「何でそんなことにこだわるの？」という感じでしょうけど、映画オタクを自称する者にとっては「その映画観てない」と口にするのは、かなり勇気がいることなんですよね。というわけで、「趣味は映画観賞です」と言っている人が有名な映画を観ていなかったとしても、あまり責めずに温かい目で接してあげてください(^_^;)

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押井守の映画はなぜ眠くなるのか？『ガルム・ウォーズ』解説

June 7, 2016, 8:00 am

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■あらすじ『母なる蒼きガイアをまわる、戦いの星・アンヌン。かつて、この星を”ガルム”の8つの部族が支配していた。ブリガ、ウルム、バセ、セタ、ボルゾイ、ゼネン、クムタク、そしてコルンバである。部族はそれぞれの役割によって異なる姿と言語を持ち、彼らを作りし神に仕えていた。しかし、創造主ダナンはある日アンヌンを去り、あとに残された八部族は覇権を巡って争いを始める。やがて、長きにわたる戦いによってアンヌンの大気は汚れ、大地は荒れ果ててしまった。八部族のうち、今も残るのはブリガ、コルンバ、クムタクの三部族のみとなり、神の言葉を伝えたとされる”ドルイド”すら死に絶えた。ブリガが強大な武力をもって地上を制覇し、コルンバは圧倒的な機動力で空を支配。クムタクはその優れた情報技術をもってブリガに仕えることで、かろうじて生きながらえていた。陸のブリガと空のコルンバ、アンヌンの覇権を賭けて、二大部族による最後の決戦が始まろうとしていた。そんな中、コルンバのカラ（メラニー・サンピエール）、ブリガのスケリグ（ケヴィン・デュランド）、クムタクのウィド（ランス・ヘンリクセン）が運命的な出会いを果たし、ガルムの秘密をめぐる旅に出る。彼らを待ち受けるのは希望か、それとも絶望か？「攻殻機動隊」「機動警察パトレイバー」シリーズなどの鬼才・押井守が、構想15年にも及ぶ幻の企画を自らの手で実写化したSFアクション超大作！』　※以下の記事には多少ネタバレが含まれています。映画を観ていない人はご注意ください。

どうも、管理人のタイプ・あ〜るです。

現在、押井守監督の最新作『ガルム・ウォーズ GARMWARS The Last Druid』が劇場公開されています。この映画の成り立ちは意外と古く、最初に企画として立ち上がったのが1996年頃だそうで、『G.R.M.』または『ガルム戦記』などと呼ばれていました。

当初は壮大なビッグプロジェクトで、監督が押井守、脚本は伊藤和典、そして特技監督に樋口真嗣、衣装デザインに末弥純、メカデザインに竹内敦志、前田真宏、造形に竹谷隆之、音楽に川井憲次を迎え、さらに製作総指揮はジェームズ・キャメロンという、とんでもない豪華スタッフが集結していたのです。おまけに予算は60億円！

この時点ではすでにキャストも決まり、実際にアイルランドまでロケハンに行くなど、かなりの費用（約8億円）を注ぎ込んで準備が整えられ、2000年の劇場公開を目指して、パイロット版の映像まで制作されていました。ところがなんと！クランクイン直前になって突然企画がストップ。予算の見直しが行われ、大幅な脚本の変更を余儀なくされたのです。

そうこうしているうちにジェームズ・キャメロンが企画から離脱し、他のスタッフも次々と降板。この映画に関わった大勢の関係者が迷惑を被り、さすがの樋口真嗣監督も「押井さんのせいでエラい目に遭ったよ！」と『ガメラ3 邪神＜イリス＞覚醒』のメイキング映像で不満をぶちまけるほどでした。

こうして、超大作映画『ガルム戦記』の企画はボツになってしまったのですが、その映画が紆余曲折を経てついに完成！つまり『ガルム・ウォーズ』とは、「二度と実現することはない幻の企画」と呼ばれた映画の奇跡の復活戦であり、押井守監督にとって「20年ぶりのリベンジ」なのですよ。

ちなみに、『ガルム戦記』がボツになった直後に押井監督が「ふざけんな！何でもいいから映画を1本撮らせろ！」とブチ切れたところ、当時この企画を主導していたバンダイが「すまんかった」と6億円を出資。その結果、SF実写映画『アヴァロン』が作られたそうです（押井監督によると『アヴァロン』は、『ガルム戦記』の開発過程で生まれたノウハウを流用した”機能限定版”らしい）。

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というわけで、苦労の末にようやく公開された『ガルム・ウォーズ』なんですが、全くヒットしてません(苦笑)。世間で話題にならないどころか映画を観た人の評価も散々で、「難解なセリフや固有名詞が多すぎて何が何やらさっぱり分からない」、「話の展開が退屈で眠くなる」、「CGが古臭い」など、ボロカスに貶されている模様。

Yahoo!映画のユーザーレビューでも（今のところ）「2.67点」という低評価に留まっており、酷評だらけだった実写版『テラフォーマーズ』の「2.52点」よりは多少マシではあるものの、ほぼ変わらないぐらいの低い評価を下されています。

まあ、今まで押井監督の実写映画を全て観てきた僕としては「うん、通常運転だな」という感じしかしないのですが(笑)、不思議なのは、押井監督ってもう何十年も前からこういう実写映画を撮り続けているのに、いまだに同じような批判を受けてるんですよね。にもかかわらず、相変わらず次々と新作を撮り続けているという。

しかも低予算で地味な映画なら、まだ分からなくもないんですが、今回の『ガルム・ウォーズ』はなんと製作費20億円！完全に超大作映画なんですよ。いったい、どうしてこんなに映画を撮らせてもらえるのか、非常に不思議なんですよねえ。普通に考えれば、「需要があるから」ってことになるんでしょうけど…。

というわけで本日は、なぜ押井守監督は難解な映画ばかり撮り続けているのか？なぜ押井監督の映画を観ると眠くなるのか？そして、なぜ押井監督は映画を撮り続けていられるのか？など、その理由を検証してみたいと思います。

●押井守の映画は本当に難解？

まず、いきなり核心的な部分から入りますけど、「難解だ難解だ」と言われまくっている押井守作品、実はそれほど難解じゃないんですよ。例えば『ガルム・ウォーズ』の内容にしても、互いに戦いを繰り広げているクローン兵たちが偶然出会って、「俺たちは何のために戦ってるんだ？」「そもそも俺たちって何者なんだ？」「あの場所へ行くと秘密がわかるらしいぞ」「マジかよ？行ってみよう！」みたいな感じの映画なんです。

「コルンバのカラとかブリガのスケリグとか、固有名詞がたくさん出てきてややこしい！」という意見も多いようですが、それは要するに「ペジテのアスベルとかトルメキアのクシャナ」などと同じく、元々SFやファンタジーには聞き慣れないワードが数多く出てくるので、「そういうものだ」と慣れてもらうしかありません。

ちなみに、『ガルム・ウォーズ』の日本語吹き替え版をプロデュースした鈴木敏夫さんは試写を観た後、「これって『風の谷のナウシカ』でしょ？」と押井監督を問い詰めたそうです(笑)。確かに、クライマックスでは巨神兵も出て来るし、言い逃れできないよなあ(^_^;)

●難解に見える理由とは

では、どうして押井監督の映画は難解に見えるのでしょうか？それは、押井監督がワザと難解にしているからです(笑)。押井さん曰く、「分かりやすい映画を作るのは簡単だ。しかし、それでは観た人の心に残らない。観終わった瞬間に忘れてしまう。でも、映画の中に”わからない部分”があれば、それは人の心に引っ掛かる。人の心に残っている限り、その映画には価値があるんだ」とのこと。こうして、いつしか押井監督の作品は「難解だ」と言われるようになっていったのです。

●長台詞の作り方

そして、作品を難解に見せるために押井監督が多用しているテクニックが「登場人物に難解な長台詞を喋らせること」なんですね。押井守作品を観た人は分かると思いますが、とにかくキャラクターのセリフが多い！アニメでも実写でも、気付いたら必ず誰かが「良く意味が分からない難しいセリフ」を延々としゃべり続けてるんですよ。

これらの膨大なセリフを作り出すために、押井監督が日頃からやっていること。それは「本を読む時にマーカーで線を引きまくる」ってことだそうです。自分の気に入った言葉を見つけたら、とにかく印を付けて、後から紙に書き出すらしい。以下、押井監督のコメントより↓

資料の収集は映像的なものに限らない。言葉の収集も大切な作業だ。僕は自分の好きな種類の言葉、自分の心に届きやすい種類の言葉を常に収集している。聖書などはその最たるものだろう。

だから、文庫本だろうが新書だろうが、僕が本を読み終えた後はマーカーで真っ黄色になってしまう。マーカーラインが溜まってきたら、それらを全部書き出してファイルにする。映画を作るときには、それを全部プリントアウトして見直しながら構想を練る。そして、採り溜めてきた言葉をどれだけぶち込めたかが、僕の作品に対する満足度を推し量るひとつの基準になっている。

僕は、自分の作品に誰かの言葉を引用することに、なんのためらいもない。僕の作品のほぼ全ては、膨大な言葉の引用の組み合わせから成り立っていると言ってもいい。

自分が考えた貧相な言葉よりも、他人が生み出した素晴らしい言葉を引用した方が、作品の完成度は高まるし、適切な場面に適切な言葉を引用できれば、それはもう借りものではないと思うからだ。

それに、言葉は借りものでも、それを繋いでいく人間や世界観は自前だし、いわばその世界をきちんと飾り込みたくて、膨大に言葉を引用していると言った方がいい。　（『これが僕の回答である。』より）

●押井守の映画はなぜ眠くなるのか？

押井守監督の映画を観ていると、途中で必ず「眠くなる瞬間」が訪れますが、当然、これも意図的にやってます(笑)。いったい何のために？実は押井監督は若い頃から大変な映画好きで、「学生時代は年間に1000本以上の映画を観た」と豪語するほどの映画オタクだったという。

特にジャン＝リュック・ゴダールやアンドレイ・タルコフスキーに感銘を受けた押井監督は、自分の映画にも彼らの要素を積極的に取り入れていきました。

その結果、「映画は気持ちのよいシーンばかりで構成されるのではなく、流れに逆らう部分が必要なのだ」という独自の信念が生まれ、ストーリーの進行とは直接関係ない、強烈に眠気を誘うようなシークエンス（ダレ場）が挿入されるようになったのです。これが有名な「ダレ場理論」ってやつですね(笑)。

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●ダレ場理論

「ダレ場理論」は押井監督が勝手に考えた理論なので、他の映画監督は誰も実践していません。しかし、押井監督はこの理論に絶大な自信を持っており、アニメだろうが実写だろうが、毎回容赦なくダレ場をぶち込んでくるのです。

『ガルム・ウォーズ』では、地上に降りたカラ（メラニー・サンピエール）がひたすら歩き回る場面とか、戦車に乗って動き回る場面とか、主に移動シーンでダレ場が入ることが多いですね。押井作品に慣れていない人は、ほぼ確実にこのダレ場で寝落ちしてしまうようなのでご注意ください(笑)。以下、「ダレ場理論」を解説する押井さんのコメントより↓

映画っていうのは、快感原則だけでは成立しない。映像の快感原則をどこかで裏切ったり、阻止したりすることで初めて映画になるんだよ。止まらないとダメなんだよ。お客さんをいい気持ちにさせてるだけだったら、映画にならない。どこかで引きずったり、立ち止まらせたり、あるいは押しのけたりっていうさ、抵抗感があって初めて映画は映画足り得るんだよ。

よくスタッフから「押井さんの映画はもっと短く編集すればかっこいいのに」って言われるんだけどさ。でも、それは僕に言わせると、短くしたら確かに気持ちいいと思うし、「かっこいい」ってことで衆議一決すると思うけど、それでは映画にならない。10年後に生き延びる映画足り得ない。それが僕の価値基準だから。　（『勝つために戦え！』より）

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●理解できないのは観客が悪い？

このように、「難解な長台詞」や「ダレ場理論」を実践し続けた結果、押井監督の作品は「意味が分からない！」「面白くない！」と思われることが多いようですが、こうした批判に対して監督自身はどのように考えているのでしょうか？以下、押井監督の”映画”と”観客”の関係性に関するコメントより↓

映画というものは、その映画を観る人の知性と教養と人生経験の総和に見合った、興奮と感動と感銘しか与えられない仕組みになっている。そういう意味で、映画とは観客の想いを受け止める”壁”のようなものだと僕は思っている。

誰もがその”壁”にボールを当てて、その跳ね返り方によって、それぞれ違った興奮や感動や感銘を受け取る。手応えを感じれば、またその監督の作品を観に来るし、イマイチだなと思えばもう来ない。硬球を投げつける人もいれば、軟球を投げつける人もいる。鉄球を思い切り投げつけてきて、「俺を感動させられるものならさせてみろ！」というタイプの人だっている。

そうした色んなボールにどこまで耐えられる”壁”を作れるかが、つまりは監督の手腕といえる。ボールを投げるのはあくまでも観客の側であり、作り手はそれを弾き返しているに過ぎない。少なくとも僕の場合、映画というものは、作り手側のメッセージや思い入れを投げつけるものではなく、ピッチャーはあくまでも観客であるという意識が強い。　（『これが僕の回答である。』より）

これが僕の回答である。1995‐2004

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いかがでしょうか？要するに押井監督は「この壁、ボールを投げつけても上手く返って来ないじゃん！つまんないよ〜」と文句を言っている観客に対して、「それは壁が悪いんじゃなくて、お前の投げ方が悪いんだよ！もっとボールの投げ方を勉強したり、早いボールが投げられるように腕力を鍛えて出直して来い！」と言ってるんですね(笑)。

いかにも映画オタクらしい開き直りっぷりですが、押井監督のこの考え方にも「一理あるな」と思うんですよ。なぜなら、同じ作品を観ても感じ方は人それぞれ違うから。「全員の意見や評価が完全に一致する」なんてことはあり得ないからです。

例えば「同じ感動的なシーン」を観ても、号泣する人がいる一方、全く泣けない人もいるわけで。この違いは、観客が背負っている文化的バックグラウンドや個人の感受性や思想的ポジションなどが全く異なるからです。

押井監督はそれを「映画を観る人の知性と教養と人生経験の総和」と表現していますが、子供の頃には分からなかった映画を大人になって観返してみたら理解できた、ということは良くあるんじゃないでしょうか？もちろん、映画の中身が変化したわけじゃありません。「人生経験」を積んだことによって、自分自身の感性が変わったからです。

それと同じく、映画を観て「面白いか」「つまらないか」を決定づけるポイントは、常に”観客側”にあるんですよ。我々はつい、「映画の中に真実や正解がある」と思い込み、それが見つからなければ「意味がわからん！」「この映画つまんねー！」などと”映画側”に責任があると考えてしまいがちですが、実際はそうではありません。”正解”とは、「それぞれの観客が背負っているモノの中」に存在するのです。

僕が「映画だって教養や訓練が必要なんだ」って言ってるのは、そういうことなんだよね。「観て理解できないからその映画に問題があるんだ」と言う人たちがいるけれど、それはとんでもない話でさ。少しは我が身を振り返れよって話だよね。　（『スカイ・クロラ　絵コンテ集』より）

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巻末に、押井監督が”映画の本質”について語り尽くしたロングインタビューがあって、これが非常に面白い。押井さん荒ぶってますｗ

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●なぜ押井守は映画を撮り続けていられるのか？

さて、色々と押井守監督について書いてきたわけなんですけど、最後に残った疑問、「なぜ押井守は映画を撮り続けていられるのか？」。これ、正直よくわからないんですよね(笑)。確かに押井監督には多くのファンがいるようですが、それだけで映画の収支を賄えるものなのかな？と。

どうやら押井さんの作品は日本よりも海外での評価の方が高くて、日本で全く売れなくても、海外では結構売れているらしい。『アヴァロン』の場合、日本の興行成績はボロボロでしたが、海外でビデオやDVDがバカ売れして大ヒット。製作費が6億円もかかったのに、なんと黒字になったそうです。

押井監督本人は、「今まで色んな映画を撮ってきたが、赤字を出したことは一度もない」と豪語しているので、そういう点では映画会社から信頼（？）されているのかもしれません。まあ、僕自身は押井監督の実写映画を観て「面白い」と感じたことはほとんど無いんですけど、それは押井さんに言わせると「知性と教養と人生経験が足りないからだ！」ってことなんでしょうねえ(笑)。

押井言論 2012-2015

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映画論、アニメ論、創作論、作品論、同業者への怒りと諦めが詰まった、“押井節"の集大成！

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映画『天空の蜂』ネタバレ感想/評価/解説

June 17, 2016, 8:00 am

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■あらすじ『1995年8月8日。完成した最新鋭超巨大ヘリ“ビッグＢ”を自衛隊へ引き渡すため、開発者のヘリコプター設計士・湯原（江口洋介）は妻子とともに式典に参加していた。すると突然、ビッグＢが勝手に動き出し、息子の高彦を乗せたまま飛び去ってしまう。福井県の原子力発電所“新陽”の真上でホバリングを始めたビッグＢは、“天空の蜂”と名乗るテロリスト（綾野剛）によって遠隔操作でハイジャックされてしまったのだ。犯人は政府に“日本全土の原発破棄”を要求し、従わなければ、大量の爆発物を搭載したビッグＢを原子炉に墜落させると宣言。湯原は、同じ会社の同期で新陽を設計した三島（本木雅弘）と協力し、息子の救出とビッグＢの墜落阻止に全力を挙げる。残された時間はヘリの燃料がなくなるまでのあと8時間。果たしてこの危機を乗り切ることは出来るのか…？人気作家・東野圭吾が1995年に発表した同名ベストセラーを、「20世紀少年」「SPEC」シリーズの堤幸彦監督が映画化したサスペンス・アクション超大作！』

本日、WOWOWシネマで『天空の蜂』が放送されます。劇場公開時は、あの辛口コメントで有名な映画批評家の前田有一先生が「95点」という驚きの高得点を付け、「エンタメ映画として抜群に面白く、感動も深い」「これで日本の映画史も変わる」などとベタ褒めしていたので、「あ〜、これは荒れるだろうな〜」と思っていたら案の定、世間の評価は賛否両論真っ二つでしたよ(苦笑)。

ちなみにYahoo!映画の得点は3.78点で、この手の映画にしては意外と高評価なんですけど、やはり「良かった」という意見と「全然ダメ」という意見が入り乱れてますね。良かった人の感想では「”原発問題”という社会的に重要なテーマを堂々と描いているところがいい」、「スケールの大きなアクションやドラマが見応えあり」、「原作には無い”3.11を意識したラストシーン”が良かった」など。

逆に、良くなかった人の感想としては「話の展開に無理がありすぎて説得力に欠ける」、「設定にリアリティが無い」、「役者の演技が過剰で不自然」、「説明的なセリフだらけでうんざりした」、「スローを多用した演出が古臭い」、「ヘリのCGがショボすぎる」など、映画全体のクオリティに対する不満が多いように見受けられます。

で、僕の個人的な感想としてはですね、どっちの意見も分かるんですよ。良い意見も悪い意見も、指摘している部分は確かにその通りだと思います。そして、劇中で描かれている”原発問題”が昨今の日本人にとって極めてセンシティブなテーマだからこそ、余計に「もっとしっかり描いてくれよ」という気持ちになるのも理解できます。

ただ、本作はあくまでもエンターテインメントであって、娯楽性を重視して作劇されてるんですよね。もちろん、娯楽映画であってもリアリティを追及するのは当然なんですが、要は「どこまでそれを許せるか？」という”許容範囲の問題”なんじゃないかなと。

例えば、ハリウッドの超大作アクション映画でも、冷静に考えたら変なシーンはいっぱいあるわけですよ。「何でそこでそんな行動をとるの？」と突っ込みたくなるような場面もいっぱいあるんですが、向こうは大金をかけて派手な映像をガンガン出してくるから、「まあいいか」と思えてしまう。つまり「観賞料金の対価としてカッコいい映像を観た」と考えた場合、多少変なシーンがあったとしても許容できてしまうんです（中には許容できない映画もありますがｗ）。

今回の『天空の蜂』も、非常にエンターテインメント性の強い、言ってしまえば「ハリウッド的なサスペンス・アクション」を目指して作られてはいるものの、いかんせん邦画の予算規模ではどんなに頑張ってビジュアルを作り込んでも限度があり、内容に見合ったスケール感を確保できているとは言い難い。

特に肝心要の”ビッグB”の映像が、全くもって”重さ”や”巨大さ”を感じられない仕上がりになっていたのが残念でなりません。ビッグBのフル3DCGは1年がかりで作られたそうですが、なかなか本物のヘリの質感を再現できなくて苦労したらしい。やはり、こういうヘリの場合は巨大なミニチュアを作って撮影するというアナログな技法の方が、リアルな映像を撮るのに向いてるんじゃないか？と思いました（お金がかかるけど）。

なので、視覚的な満足感を得ることができない出来ない以上、「この程度のリアリティでは許容できない」という人の気持ちも十分に分かるんです。分かるんですが、個人的には「これぐらい許容してあげたいな〜」という感じなんですよね。別に堤幸彦監督に恩義があるとか、そういうことでは全くありません(笑)。

ただ、「堤幸彦監督にしては意外と真面目にサスペンス・アクションを作ろうとしてる」と思える部分が僕の中のハードルを若干押し下げているというか、「これぐらいなら、まあいいか」という気持ちにさせているのかも（今までの堤作品はふざけ気味の映画が多かったのでｗ）。

しかも本作は娯楽作品でありながら、かなりハードなメッセージ性を内包しているため、一見すると「反原発映画か？」と思ってしまいますが、原発の危機感を示しつつ、同時に原発の現場で働く側の主張もしっかり盛り込んであり、非常にバランスの取れた作劇になっています。その辺もグッドでした。

正直、パジェロで単独カーチェイスするシーンとか、湯原（江口洋介）が三島（本木雅弘）の頭に銃を突き付けてカメラがグルグル回り込むシーンは全くいらなかったと思いますが(笑)、それ以外は概ね満足できましたよ（というか、細かい部分を突っ込み出したらきりがないｗ）。

あと、批判の多かったラストシーン。息子の高彦君が大人になって自衛隊に入り、向井理がヘリコプターを操縦しているという「現代」へ繋がる場面ですが、まあ確かに「無くても良かったんじゃないの？」とは思いました。ただ、「3.11を体験してしまった我々としては入れるべきだと思ったし、自分自身も、このシーンがあることで前向きになれた」と堤監督が語っているように、今の時代にこの原作を映画化する以上、避けては通れなかったのだろうと思います。そういう点でも「誠実な映画だな」という印象を受けました。

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『ミッション：インポッシブル/ローグ・ネイション』感想/評価

June 24, 2016, 8:00 am

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■あらすじ『イーサン・ハント（トム・クルーズ）と彼の所属チーム“IMF”は、国際的な陰謀をめぐらす謎の組織“シンジケート”を追っていた。しかしその矢先、IMFはCIA長官によって解散を命じられ、メンバーはバラバラに。その後、単身でシンジケートの実体解明を進めていたイーサンは囚われの身となってしまう。その窮地を救ったのは、なんと敵側のスパイと思われた謎の美女イルサだった。やがて秘かにベンジーや他のメンバーを再集結したイーサンは、敵か味方か分からないイルサと共に、シンジケートを壊滅すべく史上最大の不可能ミッションに挑戦する！トム・クルーズ演じる伝説のスパイ：イーサン・ハントが、実現困難な任務に挑みまくる大人気アクション・シリーズの第5弾！』

※ネタバレしてるので観てない人はご注意ください。

本日、WOWOWシネマで『ミッション：インポッシブル/ローグ・ネイション』が放送されます。僕は公開時に劇場で観たんですけど、もう冒頭からいきなり度肝を抜かれました。予告編で流れている「トム・クルーズが飛行機の側面にへばり付く超絶スタント」があるじゃないですか？

あれってクライマックスのアクションかと思ったら、オープニングでいきなり出て来るんですよ。映画が始まって5分ぐらいでトム・クルーズが飛行機にしがみ付きながら「早くドアを開けてくれ〜！」と絶叫しているわけです。アバンタイトルでこんな大技をブチ込んでくるとは、まさに「出し惜しみ感」ゼロの出血大サービス！実に素晴らしい！

しかもこのシーン、決してシリアスな場面ではありません。一応、状況的には「凄腕エージェントが任務を遂行するために必死で頑張ってる」というシチュエーションではあるものの、演出的には単なるコメディ・パートであり、”観客を笑わせるためだけのシーン”なんですよ。にもかかわらず、トム・クルーズ本人がやっているという凄さ！

つまり、本物の飛行機と本物のハリウッド・スターを使った”史上最大級に大掛かりなコント”なんですね。いや〜、スケールがでかい！ベンジーがドアを開けようとすると焦って貨物のドアを開けてしまい、「違〜う！そっちじゃな〜い！」と突っ込むイーサンとか、ベタなギャグも満載です（笑）。

このシリーズって、初期の頃は内容も割とシリアスで、結構ハードなスパイアクション映画だったんだけど、続編を重ねる毎にギャグっぽい要素が増えていき、同時にアクションの難易度も急上昇していきました。

それはそれでいいんですが、自ら進んでデンジャラスなスタントに挑戦し、命懸けで観客を笑わせようとするその姿は、今までの「スマートでカッコいい路線」とは大きく方向性が異なり、もはやトム・クルーズと言うより”ハンサムなジャッキー・チェン”と化してますよ（笑）。

もちろん、今回もトムさま渾身のアクションが次々と炸裂します。狭い街中を猛スピードで爆走するカーアクションや、ノーヘルでバイクをぶっ飛ばすバイクチェイスなど、凄まじいスタントに驚愕させられること間違いなし！

しかも、どんなに激しいアクションをやっていても、必ず間に”細かいギャグ”を挟むことで、映画全体に常にユーモアを漂わせるという徹底ぶりに脱帽せざるを得ません。とにかく、笑いとアクションのクオリティがどんどん上がり続けてますね。

このシリーズも本作で5作目ですが、全く勢いの衰えを感じさせないどころか、「毎回毎回よくこんな面白いこと思い付くなあ」と感心するぐらいの面白さですよ。まあ、イーサン・ハントがどんどんバカっぽくなってるような気がしなくもないけど、それはたぶん気のせいです(笑)。

一方、注意すべき点は「スパイグッズの荒唐無稽さが常軌を逸している」ってことでしょうか（笑）。例えば、毎度お馴染み「やあハントくん。今回の君の任務は…」から始まるメッセージ。今まではサングラスをかけると再生されるとか、色んなバージョンがあったんですが、なんと本作ではアナログレコードになってるんですよ。

プレーヤーにかけるとミッションの内容が再生されるんですけど、音声だけじゃなくて映像も映るという謎のテクノロジーにびっくり（笑）。もう「技術的に可能かどうか？」の問題以前に、「そんな装備が本当に必要かどうか？」を検討すべきレベルではないかと(^_^;)

また、オペラ劇場でベンジーが使っていた「ノートパソコンになるパンフレット」に至っては、「凄い！」と思うより前にあまりにも現実離れしすぎて、ファンタジー映画を観ているような錯覚に陥りました（もはや『ドラえもん』の秘密道具に近いかもしれませんｗ）。

まあ、そういう面白スパイグッズも『ミッション：インポッシブル』の世界観なら許せてしまうというか、観ていて楽しいのでアリなんですけどね（個人的には、もっと面白い小道具を出して欲しいぐらいですｗ）。

そんな本作の要注目ポイントと言えば、謎の美女イルサ（レベッカ・ファーガソン）でしょう。敵に捕まって拷問を受けているイーサンを救い出した彼女は果たして何者なのか？謎の組織”シンジケート”との繋がりは？二転三転する意外なドラマ展開が見どころです。

そして、IMFのメンバーで目立っているのは、何と言ってもベンジー（サイモン・ペッグ）ですね。今までにも敵のコンピュータに侵入したり、秘密道具を活用したりと色んな活躍を見せていましたが、今回は今まで以上の活躍ぶりで、ベンジー・ファンも大満足（笑）。イーサンとのコンビ・プレイもバッチリ決まり、単なる組織のメンバーという枠組みを超えた”絆”も描かれ、非常にいいドラマになってますよ。

逆に残念だったのは、クライマックスの展開がやや尻すぼみ気味になっていること。いや、もちろん終盤にもアクションはあるんです。ただ、冒頭から大掛かりなアクションをバンバン見せているせいで、ラスボスをやっつけるくだりが相対的に小規模に見えてしまうのですよ。この辺は、最後にもう一発ド派手なアクションを見せて欲しかったなあと思いました。

とは言え、トム・クルーズ様の壮絶アクションは全編に渡って冴えまくり、キャラクターは魅力的でドラマも抜群に面白いので全く飽きさせません。最初から最後までハラハラドキドキが続く最良の娯楽映画として、万人にお勧めできるでしょう(^_^)

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どうして日本の映画は貧乏なのか？という話

June 25, 2016, 8:00 am

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どうも、管理人のタイプ・あ〜るです。

先日、こういうツイートが話題になっていたので読んでみました。↓

・邦画の平均的製作費は1本当たり3.5億円。マッドマックス3分作れない

ざっくり言うと、映画監督の園子温さんが「アメリカや中国の自主制作映画の平均予算は1億円以上。それに対して日本は、商業映画ですらその半額以下。ケタ違いに予算が少ない」とツイートしたことに端を発し、「何でこんなに日本映画は貧乏なの？」と様々な議論が展開された、という内容です。

中国の新人監督の第一作目の製作費が平気で10億以上だったりして、俳優のギャラが平気で何億だったりして、映画はじめて25年以上やってる俺は、製作費3000万とか5000万の平均的日本映画を今もこなしております。
— 園子温 sono sion (@sonosion888) 2016年6月20日

この件に関して映画評論家の町山智浩さんは、「『マッドマックス　怒りのデスロード』の3分当たりの製作費は約4億円。邦画の平均的製作費は3.5億円。つまり『怒りのデスロード』のわずか3分にも足りない」と日本映画の低予算ぶりを嘆いていますが、「3.5億円」というのはあくまでも平均値であるため、実際はこれよりももっと安い予算で映画を作っている人たちもいるはずです。

もちろん、「製作費が多ければいいというものではない」「少ない予算でも良い映画は作れるはずだ」という考え方もあるでしょう。しかし、園子温さんのような現役の映画監督がこういうコメントをつぶやくこと自体が異例であり、今の日本映画界の厳しい状況を如実に表しているような気がしてなりません。では、そもそもどうして邦画はこんなにお金が少ないのでしょうか？

●日本映画の製作費事情

かつて邦画が活況を呈していた80年〜90年代頃は、『天と地と』（50億円）や『敦煌』（45億円）など、バブリーな超大作映画がいくつか作られていました。その結果「そこそこのヒット」はしたものの、「大儲け」と呼ぶには程遠い成績に終わってしまいます。いったいなぜか？

それは、「興行収入」の内訳に理由があるからです。仮に、50億円の費用を掛けて映画を作り、50億円の興行収入があったと仮定しましょう（かなりの大ヒット）。しかし、製作費と収益が同じだからといって、”プラスマイナスゼロ”とはなりません。

まず、50億円の興収の内、約半分が映画館の取り分となります。残りの25億円の内、約40%（作品に応じて変動あり）が宣伝費・プリント代として差し引かれ、残りは15億円。さらにここから、配給会社が手数料として約30%を徴収します（これもケースバイケース）。結局、映画の制作会社に残るお金は、10億5000万円にしかならないのですよ。

50億円の予算を投じて、儲けは（単純計算で）10億5000万円。これでは、たとえ大ヒットしたとしても、上映分だけでは完全な赤字で、テレビの放映権やDVDの売り上げなどの「2次使用料」を加えてもペイできるかどうか？という厳しい状況になってしまうわけです。

●予算の決め方

このような前提を踏まえ、映画の製作費は「作品に投下された資本と人的エネルギーなどの回収効率」から設定されることになります。例えば、全国で同時公開する作品なら、100万人の動員で興行収入の目安はおよそ14億〜15億円。

15億円と言えばそこそこのヒットですが、これに先ほどの計算式を当てはめてペイラインを逆算すると、だいたい3億円程度の予算なら赤字にはならないだろう、ということが分かります。このような判断から、日本映画の製作費は3億円前後のボリュームが最も多くなっているらしい。

「だったら興収の目標値をもっと上げればいいんじゃないの？」という意見もあるでしょう。しかし、日本で公開される映画の興収には”上限”があるため、あまり極端な数値には設定できないのですよ。例えば、去年公開された邦画作品の成績を見てみると、1位が『妖怪ウォッチ』、2位が『バケモノの子』、3位にようやく実写映画の『HERO』が入っています。

（「日本映画製作者連盟」より）

『HERO』の興収は46.7億円でかなりの大ヒットですが、これでも掛けられる予算はせいぜい10億円ぐらい（実際の予算は分かりませんけど）。つまり、50億円を超えるようなメガヒットは滅多に出ないため、必然的に予算の上限が決まってしまう、というわけです。

●なぜ国内市場限定なのか？

一方、貧乏な邦画に対して、ハリウッド映画は100億円を超える巨額の予算を実現しているわけですが、それはもちろん海外の市場を見込んでいるからであって、実際、アメリカ国内では赤字でも、海外の収益でプラスになった作品は少なくありません。

ではなぜ、邦画も海外を目指さないのか？というと（言語の問題等もありますが）、そもそも日本のマーケットが大きすぎるからなんです。日本の映画興行収入は世界的に見ても極めて巨大で、かつてはアメリカに次いで世界第2位の市場規模を誇っていました（今は中国に抜かれている）。そのため、無理に日本映画を海外に販売しなくても、国内でヒットすればそれだけで十分にビジネスとして成り立ってしまうのですよ。

極端な話、日本人に馴染みのあるイケメン俳優や人気アイドルや有名タレントばかりをキャスティングし、日本の観客が喜びそうなシナリオを適当に書き上げ、2〜3億円程度の安い予算で作って公開すれば、それだけで結構な収益が見込めるし、上手くいけば大儲けできる可能性すらあるわけです。

そうなると、「海外で認められるような日本映画を作ろう」なんて誰も考えないし、逆にどんどん日本人向けに特化した、ある種”ガラパゴス的な映画”が量産されていったと。その結果、外国人の目から見て「最近の日本映画はつまらない」と批判されるようになってしまったのでしょう。

・「邦画のレベルは本当に低い！」英国配給会社代表が日本映画に苦言

●大きな予算を確保するには

ただ僕個人は、日本映画の全てがつまらないとは思っていないし、邦画が発展する可能性もまだ十分にあると考えています。例えば、最近公開された『アイアムアヒーロー』などは、企画の段階から海外市場を意識し、そのために（邦画としては）巨大な予算を確保して、外国の人も楽しめるような内容を目指して作られました。

その結果、ジャンル映画の祭典として知られるシッチェス・カタロニア国際映画祭で観客賞＆最優秀特殊効果賞を受賞した他、世界各国の映画祭で様々な賞を獲得する快挙を成し遂げたのです。もし、従来通りの方法論で作られていたら、ここまでの成果は得られなかったでしょう。

・『アイアムアヒーロー』世界三大ファンタスティック映画祭制覇！

つまり、日本映画も海外のマーケットを視野に入れた映画作りにシフトすれば、大きな予算を確保することも不可能ではないわけです（さすがにハリウッド映画には及びませんがｗ）。日本の市場が将来的にどんどん縮小していくことを考えると、海外の観客にも受け入れられる映画作りは、今後の重要な課題の一つと言えるのではないでしょうか(^_^)

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高畑勲監督、岡山空襲を語る

June 28, 2016, 8:00 am

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本日6月29日は、僕の地元の岡山県岡山市が71年前にアメリカ軍の空襲を受けた日です。それに伴い、今月の初めに高畑勲監督が岡山を訪れました。『火垂るの墓』など、数々のアニメーション作品で知られる高畑監督は岡山の出身で、9歳の時に空襲を経験し、そのことが後の作品に影響を与えているという。

そんな高畑監督を招き、地元で「高畑勲監督、岡山空襲を語る〜アニメ『火垂るの墓』戦争と平和」という特別番組が放送されたので、本日は番組内で高畑勲監督が語った言葉を一部取り上げ、「戦争と平和」や自分の作品に関する高畑監督の考えなどを書いてみたいと思います。

高畑監督の実家は岡山市北区柳町という所にあり、番組では空襲があった日の「逃走経路」を高畑監督に辿ってもらう、という内容になっていました。当時、アメリカ軍は午前2時43分に岡山市街地への爆撃を開始したらしい。

街の南東方向から飛んできたB-29は、岡山中央郵便局付近を目標に、高度3000から4000メートルで焼夷弾を投下。岡山市の中心部から一斉に火の手が上がりましたが、高畑監督の家があった場所は空襲を受けた直後はまだ燃えていませんでした。

そして午前3時ごろ、家の2階で寝ていた高畑監督は、空襲に気付くとすぐに1歳年上のお姉さんと外へ飛び出したそうです。この後、2人はおよそ2時間にわたって炎の中を逃げまどうことになりました。以下、高畑監督の証言より。

「僕が玄関を出たら、大勢の人が走ってるわけ。それを見て”親に置いて行かれた”と思って一緒に走り始めるんだけど。表に飛び出した時、裸足だったんですよ。慌ててたんで、靴も履かずに飛び出して、しかもパジャマだけで逃げたんです。

地面は、いわゆるアスファルトを引いてたんだけど、火の熱でネチャネチャになってるんですよ。だから足の裏が熱くなるし、それからガラスの破片なんかがいっぱい刺さってね。もう大変だったんですけど。

逃げてる時には、足に何かが刺さってるなんて全然わからないんですよ。後になって、膿が出て来るからわかるんですよね。「あっ、こんなところにも刺さってる」って。もう必死ですからね。足が痛いなんてことより、焼け死なないですむかどうかの方が重要ですから。

僕と姉は「親とはぐれた」と思ったんだけど、その時、僕の母親と他の兄弟は火を避けて川の中に逃げてたらしくて。周りは全部燃えてるし、川の中なら多少安全だろうと。そこにも死体がいっぱい流れて来て大変だったみたいですけどね。

僕らはそんなことを知らないから、人が走って行く方向へ一緒に逃げてたんです。そうすると、トタンを引っ張るような”シャー”っていうような音がするんです。で、空を見上げたら火がいっぱい降ってくるんですよ。小さな点みたいな火なんだけど、それが大量に降ってくる。焼夷弾が燃えながら落ちてくるんですね。

それを皆見てて、「あっ、来た！」と思ったら隠れるんですよ、軒下に。昔の軒っていうのは全部瓦で出来ていて、側に必ず防火用水が置いてあるんですね、火を消すために。で、地面に落ちた焼夷弾は火を吹いて燃え上がるんです。

それは”焼夷爆弾”って言ってたんだけど、要するに単なる筒じゃなくて、ちゃんと爆弾の形をしていて、しかも破裂するんですよ（M47焼夷弾）。それがかなり近いところで爆発して、一緒に走っていた姉がバタッと倒れて、そのまま失神したんです。僕はもう怖くて、必死で名前を呼んで揺さぶり起したんだけど。後で分かるんですが、お尻に焼夷弾の鉄片が刺さってたんですね。

そして大雲寺の交差点から、さらに旭川へ向かって行こうとするんだけど、途中で進退極まるんですよ。横も燃えてるし、前の家も全部燃えてるし。もう熱くて熱くて、防火用水の水をかぶりながら逃げてるんだけど、すぐに乾くんですよ。

そういう状態でどこに逃げていいのかも分からず茫然としてると、一人のおっさんが走り出したんですよ。「何とかしなきゃいけない」と思ってたから、そのおっさんについて走って、何とか川の橋の袂まで逃げたんです。

で、どうにか川の側まで辿り着いたんだけど、火から離れると今度は寒くなってきてね。その上、雨まで降ってきて。”黒い雨”っていうと皆さん原爆を思い出すかもしれないけど、どんな空襲でもみんな黒い雨が降ったんですよ。燃えたススなんかが上昇気流に乗って空に上がって、それがまた降ってくるわけだから。雨そのものが汚れてるんですね。

で、そういう雨に当たったもんだから余計に寒くなって、その辺にあった荷物を包むような藁を体に巻いて。そして京橋を上がったところで偶然、姉の友達の一家と出会うんですね。それで、その人たちが避難している場所に連れて行ってもらって。奇跡的に私たちは助かった、という感じなんですけどね。

その後、疲れてたんで少し寝たんですけど、起きたらその家族に男の子がいて、僕より少し年上だったんだけど、「焼け跡を見に行こう」って言うんですよ。僕は行きたくなかったんだけど、仕方なくついて行ったんですね。そしたらもう、死体だらけで。怖くて震えが止まらなかったですね。だって人がいっぱい死んでるんだもん。匂いも凄いし。

でもそんな状態なのに、”父恋し母恋し”みたいな、全然そういう感じはしなかった。それが不思議でしょうがない。だって焼け跡に行けば、会える可能性だってあるわけじゃない？でもその時は気が動転しちゃって、行きたくないのに行ってしまって、沈んだ気持ちのままトボトボ帰って来て。

で、次の日の朝、両親や他の兄弟たちと再会するんです。ところが、なんか気恥かしい感じがして、劇的な再会なんかじゃ全然なかったんですよ。「お母ちゃん！」と叫んで抱きつくとか、手を取り合うとかね。向こうも僕の名前を呼びながら駆け寄って来るとか、そういう劇的なシーンが当然あってもいいのに、それが無かったっていうことが、僕の中で長年”情けない”という思いにとらわれましたね。

だから『アルプスの少女ハイジ』をやる時はね、もっとこう、”子供はこうあって欲しい”みたいなね、気持ちをバーッと表に出すような子供であって欲しいと、そういうことを心がけてましたね。実際、オンジと呼ばれてるお爺さんと再会する時にはさ、バーッと駆け寄ってドーンと胸に飛び込んだりしてるよね(笑)。まあ、僕もそういうことが出来たら良かったんですけどね。

『アルプスの少女ハイジ』第34話「なつかしの山へ」

『ハイジ』はだから、言ってみれば僕の理想像ですよね。まあ、僕に限らないと思うんだけど、あの作品は、『ハイジ』という作品そのものが”子供はこうあって欲しい”という理想を描いてるんですよ。

ただ、『ハイジ』は多くの人に愛されているし、僕自身も好きですけど、あれ以来ああいう作品は作ってないですね。作らないようにしてるんですよ。ああいう、心地良い方向に行かないように、自らブレーキをかけたいと。そういう気持ちがあるんでしょうね。

だって、ああいうことが出来ない子供はかわいそうじゃないですか。あんないい子にはなれないよって子供がいたら。もし、あの作品を親子で観てて、「ハイジって素晴らしいよね」ってなった時、子供が「でもあんな風には出来ないよ」って言った時に、親はどうします？「それでいいのよ」って言ってやんなきゃいけないでしょ？そういうのは、もう少しリアリティがあるものにした方がいいんじゃないかな、とね。

だから、その後に作ったものは、もちろん『火垂るの墓』にしてもそうだけど、もう少し現実的に、本当にいるんじゃないかと思えるような子供になるように心掛けましたけどね。

最近のテレビドラマなんか見てるとさ、すぐにみんな抱き合うじゃないですか？ああいうことは、昔は本当に無かったんですよ。今のテレビドラマはみんな嘘をついてるんです。今は皆を感動させようとしてるから、そうなってるけどね。まあ、分からなければ小津安二郎の映画でも観てください(笑)」

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『10 クローバーフィールド・レーン』ネタバレ映画感想/評価

July 2, 2016, 8:00 am

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■あらすじ『恋人と口論になり、一人郊外へ車を走らせていたミシェル（メアリー・エリザベス・ウィンステッド）は、急な事故に巻き込まれて意識を失う。目覚めると、なぜか薄暗い地下の一室。しかも足を手錠で繋がれ、身動きがとれなくなっていた。そこへ現れた巨漢の男ハワード（ジョン・グッドマン）。ここは彼が作った地下シェルターで、他に腕をケガした若い男エメット（ジョン・ギャラガー・Ｊｒ）もいた。彼女を閉じ込めている理由を、外で恐ろしいことが起きているからと説明するハワード。疑いを抱きつつも、ひとまず彼らと共同生活を送るミシェルだったが、やがて次々と恐ろしい真相が明らかに…！2008年の大ヒット・パニック映画「クローバーフィールド／HAKAISHA」をプロデュースしたＪ・Ｊ・エイブラムスが、同じ世界観を継承する形で製作したＳＦミステリー・サスペンス！』

※この記事にはネタバレが含まれています。映画を観ていない人はご注意ください！

Ｊ・Ｊ・エイブラムス監督製作の『10 クローバーフィールド・レーン』を観賞。本作は、8年前に同じくエイブラムス監督が作った『クローバーフィールド／HAKAISHA』と似たようなタイトルであるため、当初は「あの映画の続編か？」と思われていました。

しかし、エイブラムス監督自身が「続編ではないが血の繋がりはある」と微妙なコメントを発表したことで、「じゃあどういう関連があるんだよ？」とファンが困惑する事態に。いったい『10 クローバーフィールド・レーン』は『クローバーフィールド』と関係があるのかないのかか？

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まず最初に、前作（？）の『クローバーフィールド／HAKAISHA』について説明すると、2007年7月に全米の劇場で流された予告編では、「ニューヨークが”巨大な何か”に襲われているらしい」という事ぐらいしか分からず、一体それが何なのか、どういうストーリーなのかは一切明かされていませんでした（当初はタイトルすら不明だった）。

しかし、予告編が公開されるやいなや、アメリカではこの謎の映画が多くのメディアで取りあげられ、ネットでも話題沸騰。それが、プロデューサーにテレビシリーズ『LOST』のJ・J・エイブラムスを迎えた『クローバーフィールド／HAKAISHA（原題：CLOVERFIELD）』だったのです。

その内容も非常に変わっていて、「大災害が起きた現場で偶然、一般市民がビデオカメラを回していて、そのカメラを軍が回収した」という設定になっているのです。したがって、普通の映画みたいにオープニングやタイトルなどは一切表示されず、BGMもありません。

さらに家庭用ビデオカメラ（という設定）なので画質は粗く、しかも素人カメラマン特有の終始ガタガタと揺れまくる画面は不安定で見辛い事この上なし（実際は業務用カメラで撮影されており、画面のブレもきちんと計算されたものですが）。

しかし、これらの不安定な映像がとてつもないリアリティを醸し出し、本当に事件の現場を”目撃”しているかのような凄まじい臨場感を生み出していたのです。すなわちこの映画は、全部作りものなのに”あたかも実際に起きた事件のように見せている”という、いわゆる”擬似ドキュメンタリー”なのですよ。

この手の作品は「モキュメンタリー」または「ファウンド・フッテージ」などと呼ばれ、意外と古くから存在していますが、有名なものはやはり1999年の『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』でしょう。「魔女を題材にしたドキュメンタリー映画」という設定で作られた『ブレア・ウィッチ』は、超低予算（約6万ドル）でありながらも、全米興行収入1億4000万ドル、全世界興行収入2億4050万ドルという大ヒットを飛ばして話題になりました。

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これの”魔女”を”謎の巨大生物”に置き換え、数百倍（数千倍？）の予算を投じて製作されたものが『クローバーフィールド』なのです。何より『クローバーフィールド』の凄いところは、擬似ドキュメンタリーの手法を取りながら、いわゆる「怪獣映画」を撮ろうしている点でしょう。

舞台となる地はニューヨーク、ウォール街やグランド・ゼロ等が位置しているローワー・マンハッタン地区。ここである晩、パーティーが行われていました。すると突然、大音響と共に建物が大きく揺れ、室内は停電して真っ暗闇に。人々は何が起こっているのか確認する為に屋上へ上がると、正体不明の大きな唸り声とともに、巨大な何かが姿を現した！

…という具合に、『クローバーフィールド／HAKAISHA』には”パニック・アクション”あるいは”ディザスター・ムービー”的な展開も見受けられるますが、本質的には「モキュメンタリーの手法で撮られた怪獣映画」なのです。しかも、日本の「ゴジラ」に多大な影響を受けているらしい。

というのも、製作したJ.J.エイブラムス監督がゴジラの大ファンで、「この映画は日本へ来てゴジラのビニール人形を見ている時に思いついた企画だ」と証言しているのですよ。さらにエンディングで流れるテーマ曲が、ゴジラの音楽を手掛けた伊福部昭のメロディとそっくり！これぞリスペクト！

そんなわけですっかり前置きが長くなってしまいましたが(笑)、じゃあ『10 クローバーフィールド・レーン』はどうなんだ？っていうと、全然違う内容なんですね。まず、「ファウンド・フッテージ」じゃなくて普通のサスペンス映画だし、ほぼ地下シェルターの中のみで展開する「密室劇」なんですよ。

主人公の女性（ミシェル）が交通事故に遭い、気付いたら地下に閉じ込められていて、怪しい男が見張っている中、無事にそこから脱出できるか？という非常にシンプルな物語です。でも僕は『10 クローバーフィールド・レーン』を観る前に、「『クローバーフィールド』のスピンオフ的なストーリーなのではないか？」と思ってたんですよ。

なぜかと言うと、今回メアリー・エリザベス・ウィンステッドが演じている主人公ミシェルの姿が、『クローバーフィールド』でリジー・キャプランが演じていたマリーナという女性キャラと、何となく似てるんですよね（服装まで似てるのは偶然か？ｗ）。

●ミシェル

●マリーナ

マリーナは主人公（エリザベス）の友人で、残念ながら物語の途中で死んでしまうんですが、もしかしたらミシェルはマリーナの姉か妹という設定なのでは？と。だとすれば、「続編ではないが血の繋がりはある」というエイブラムス監督の言い方も腑に落ちます。果たして僕の予想は当たっているのか否か？

…と思って観に行ったんですけど、う〜ん…結局当たっているのかどうか良く分かりませんでした(笑)。そもそも主人公のバックボーンがほとんど語られないため、どこでどんな暮らしをしていたのか、姉妹がいるのかいないのか、全然わからないんですよ（もしかしたら身内なのかもしれないけど）。

あと、「外の世界で大変なことが起きて地下シェルターに避難している」という設定から、「巨大怪獣が街を破壊したから地上に住めなくなった？」＝「『クローバーフィールド』の後日談？」みたいなことを想像してたんですが、最後まで観るとどうも違うような…。たぶんコレ、続編でもスピンオフでもないですねえ。

「だったら何で同じようなタイトルになってるんだ？」との疑問が出て来るでしょうけど、元々この映画の脚本は違うタイトルのオリジナル・ストーリーだったものを、ダン・トラクテンバーグ監督のデビュー作として目立たせるために、Ｊ・Ｊ・エイブラムスが『クローバーフィールド』という題名で公開した、と言われているらしい。

なのでまあ、「直接的な関連はほぼ無い」と言っていいでしょう。ただし、『クローバーフィールド』に登場した「スラッシュオ！（Slusho！）」という架空の清涼飲料水と、同じ名前の飲み物が今回も出てるので、世界観は繋がっているのかもしれません。

また、「若い女性が怪しい男に監禁されて脱出するまでの姿を描いた密室スリラー」として観れば、これはこれで十分に面白かったです。登場人物がたったの3人しかいないので話もシンプルだし、ジワジワと狂気が蔓延していく感じが地味に怖い。

特にハワード（ジョン・グッドマン）の”怪しい男ぶり”が強烈でしたねえ。「大気が汚染されて外には出られない」「火星人が攻めて来た」という怪しすぎる説明に、当然ミシェルは「頭がおかしいんじゃないの？」と疑うわけですが、ハワードの言葉を裏付けるような出来事が次々に起こり、「嘘なの？本当なの？どっち？」と疑心暗鬼になっていく。その様子が虚構と現実の境界を揺さぶり、物語をますます混沌とさせていきます。

それから、ストーリーの中で「気になる言葉」や「気になるアイテム」が出て来ると、それらが後半で役に立つという、非常に分かりやすい伏線を張ってあるのも親切で良かったです。冷却スプレーのくだりとか、「ああ、あれがここで出て来るのか」という伏線回収率が凄い(笑)。

賛否が分かれるとすれば、やはりラスト20分の展開でしょうねえ。それまでの雰囲気とは全く方向性が異なる”唐突な転調”に、「え？これってそういう映画だったの？」と驚く人が多数いた模様。「取って付けたようなクライマックスだった」という意見も、あながち間違いではないと思います。「ラストをどう判断するか？」で本作の評価は大きく変わってくるでしょう。

なお、個人的な感覚で言わせてもらえば、ああいうラストなら「予告編でその場面を見せちゃダメだろ」と思うんですよ。「ハワードの妄想だと思っていたら、実は本当に宇宙生物が攻めて来ていた！」という部分が本来サプライズであるはずなのに、事前にオチをバラしてどーすんだ？と。本作に関しては「ポスターや予告編を見るんじゃなかった〜」とつくづく後悔しましたねえ(-_-;)

いや、最初に公開した予告編なら問題なかったんですよ↓

これだったら、地下シェルターの様子しか映っていないし、主人公がどうやって脱出するのかハラハラドキドキ感も伝わるし、「外の世界はどうなっているんだ？」という興味も引っ張ることが出来るでしょう。まあ「画面が地味でインパクトが弱い」と判断したのかもしれません。でも、新しい予告編はほぼラストシーンまで見せちゃってるからねえ…

というわけで『10 クローバーフィールド・レーン』は、「密室サスペンス」で始まり、「ミステリー・ホラー」的な展開でビビらせ、最後は「SFアクション」で終わるという、ジャンルを超越したハイブリッドな映画としてなかなか楽しめましたよ。ただ、こういう映画の場合は、宣伝にもうちょっと気を遣ってもらいたいなあと思いました(^_^;)

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『シビル・ウォー/キャプテン・アメリカ』ブルーレイ発売決定！

July 7, 2016, 8:00 am

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今年の4月29日に全国613スクリーンで公開され、土日2日間で動員32万2943人、興収4億4880万9900円を記録した人気シリーズ『シビル・ウォー/キャプテン・アメリカ』が、早くもブルーレイ化されることになりました。自宅でアメコミヒーローたちの活躍を堪能できますよ(^_^)

これまで力を合わせ、数々の危機に立ち向かい、地球の平和を守ってきたアベンジャーズのメンバーですが、そんな彼らの関係が決裂する前代未聞の超絶バトルを、ドラマチックに描き出した本作はまさに驚きの連続です！

キャプテン・アメリカ、ウィンター・ソルジャー、スカーレット・ウィッチ、ホークアイ、ファルコン、アントマンが「チーム・キャプテン・アメリカ」、そして、アイアンマン、ウォーマシン、ブラック・ウィドウ、ヴィジョン、ブラックパンサー、スパイダーマンが「チーム・アイアンマン」として互いに壮絶な戦いを繰り広げる、そのアクションの凄まじいこと！

また、ロバート・ダウニーJr.、クリス・エヴァンス、スカーレット・ヨハンソン、ジェレミー・レナー、ポール・ベタニー、ドン・チードル、エリザベス・オルセン、トム・ホランドなど、豪華ハリウッド俳優が多数出演している点も見どころですよ。

なお、ブルーレイには映像特典として、製作の舞台裏、未公開シーン、NGシーン集を収録。そして監督らによるオーディオコメンタリーも収録されるらしい。また、オンラインのMovieNEXワールドでは、本編のデジタルコピーが利用できるほか、特別映像やダウンロード・コンテンツ、グッズのプレゼントなども予定されているそうです。